jueves, 22 de junio de 2017

(FILM) FAUSTO



Fausto (Juan Carlos Barreto) es un exitoso pintor que, tras el suicidio de su esposa Ana (Rosa María Bianchi), recibe la oportunidad de viajar al pasado, a aquellos tiempos cuando eran unos jóvenes enamorados con todo un futuro por delante.

La particularidad es que Fausto puede convivir con la gente a su alrededor, presentándose como un visitante que logra inmiscuirse en la vida de su versión joven y de sus padres. Esta dinámica trae consigo todo un bagaje de dolor, arrepentimiento y nostalgia que lo llevará a intentar cambiar el rumbo de su propia vida en la figura de su contraparte. 

Si bien la trama tiene toques de fantasía, el director y co-guionista José Julián Vázquez no está interesado en explorar a detalle las repercusiones que su atractivo planteamiento acarrea, en cambio tornándose hacia el romance y la psique de sus personajes, sus traumas, relaciones familiares, y las consecuencias de sus acciones. 

En ese sentido, la película tiende a caer en el melodrama excesivo, apenas permitiendo que sus personajes (y actores) respiren y se desenvuelvan con naturalidad. Aun así, logra crear un lazo afectivo con el espectador que se mantiene hasta llegar al emotivo final.

Director: José Julián Vázquez. 
Elenco: Juan Carlos Barreto, Pablo Astiazarán, Odalys Ramírez, Rosa María Bianchi, Antonio de la Vega.

Esta reseña apareció originalmente en el suplemento Primera Fila No. 920 del periódico Mural (Grupo Reforma).


Síguenos en http://www.facebook.com/aquipepenando y en Twitter como @peperuiloba

(FILM) LA REINA DE ESPAÑA



La Reina de España inicia con el regreso del director Blas Fontiveros (Antonio Resines) a Madrid, donde sus antiguos colaboradores se encuentran filmando una adaptación de la vida de Isabel La Católica. Durante casi media hora somos testigos del reencuentro de Blas con estos personajes de su pasado, una introducción eterna que poco significará para quienes no hayan visto -o no recuerden del todo- a su antecesora, La niña de tus ojos (1998).

Aquella película retrató una complicada filmación durante la era de Hitler, mientras que ahora España se encuentra sometida bajo la dictadura del General Franco, en una época en la que el gobierno tenía demasiada injerencia sobre las artes. 

Nuestra historia, sin embargo, es una farsa, una comedia de situaciones que utiliza estos temas de fondo mientras retrata los sinsabores de una producción de Hollywood donde lo que importa es seguir trabajando, y la calidad y el apego histórico pasan a segundo plano. 

Una combinación que en esta ocasión no le funciona al director Fernando Trueba, resultando en una película aburrida y blanda que desperdicia el talento de su impresionante elenco, y que si acaso vale la pena por su fastuoso diseño de producción y ese enfrentamiento final que, desafortunadamente, llega demasiado tarde.

Director: Fernando Trueba. 
Elenco: Antonio Resines, Penélope Cruz, Javier Cámara, Cary Elwes, Mandy Patinkin, J.A. Bayona, Santiago Segura, Clive Revill, Jorge Sanz, Ana Belén, Chino Darín, Neus Asensi, Arturo Ripstein.

Esta reseña apareció originalmente en el suplemento Primera Fila No. 920 del periódico Mural (Grupo Reforma).


Síguenos en http://www.facebook.com/aquipepenando y en Twitter como @peperuiloba

viernes, 16 de junio de 2017

(FILM) LA TORTUGA ROJA


"The Red Turtle"

Hay películas que con su belleza y simplicidad hacen que el corazón lata tanto que se te quiere salir. La Tortuga Roja (Francia, Bélgica, Japón, 2016), la más reciente animación del Studio Ghibli, cuenta la historia de un náufrago que forma una conexión especial con una tortuga que es más de lo que parece. 

Nominada al Óscar como Mejor Película Animada, y acreedora al Premio Especial del Jurado Un Certain Regard en Cannes, se trata de una película de imágenes bellísimas dibujadas a mano, sin diálogos, y con puros sonidos ambientales acompañados de una emotiva partitura de Laurent Perez Del Mar. 

Una película hecha para aquellos que no teman hacer volar su imaginación, que no tiene respuestas para todo, pero que está llena de posibilidades e interpretaciones. Que con su minimalismo dice montones sobre aceptar tu destino, sobre la magia y la brutalidad de la naturaleza, sobre los hitos de la vida, y sobre la necesidad de amar y ser amados.

Una película corta y poética que te paraliza con su final y se queda contigo al abandonar la sala.

Director: Michael Dudok de Wit.
Voces: Emmanuel Garijo, Barbara Beretta y Tom Hudson.

Esta reseña apareció originalmente en el suplemento Primera Fila No. 919 del periódico Mural (Grupo Reforma).



Síguenos en http://www.facebook.com/aquipepenando y en Twitter como @peperuiloba

sábado, 10 de junio de 2017

(FILM) BIENVENIDOS A GRECIA



"Highway to Hellas"

En Bienvenidos a Grecia (Alemania/Grecia, 2015), Jörg, el representante de un banco alemán, arriba a la pintoresca isla griega de Paladiki para revisar que tengan una planta de luz y un hospital, tal como lo indicaron sus habitantes cuando solicitaron un crédito.

Lo que sigue es una comedia ligera en la que todos tratan de engañar al malencarado Jörg, mientras él empieza a aflojar el cuerpo y a encariñarse con el lugar y su gente.  

Un detalle interesante es la imagen que el director (alemán) muestra de la cultura provinciana griega y los clichés que esto acarrea, incluyendo mostrarlos como flojos y desordenados… ¡pero muy alegres! Y hasta un burro sale al quite en una secuencia. Esto se podría perdonar dado el género al que pertenece, pero me pregunto cómo reaccionaríamos nosotros si lo invirtiéramos a México.

Como sea, la trama es demasiado sencilla, las situaciones demasiado obvias, y el trayecto demasiado predecible, pero la ausencia de cinismo y el carisma de los personajes terminan por contagiar y hacernos pasar un rato agradable.

Director: Aron Lehmann. 
Elenco: Christoph Maria Herbst, Adam Bousdoukos, Akilas Karazisis.

Esta reseña apareció originalmente en el suplemento Primera Fila No. 918 del periódico Mural (Grupo Reforma).



Síguenos en http://www.facebook.com/aquipepenando y en Twitter como @peperuiloba

viernes, 9 de junio de 2017

(FILM) LA MOMIA



"The Mummy"

Disney tiene al Universo Cinematográfico de Marvel, Warner tiene al Universo Extendido de DC, y ahora Universal se aventura con su propio Oscuro Universo, en el que llevarán a la pantalla grande la mitología detrás de varios monstruos como Frankenstein, Drácula y El Hombre Invisible.

El plan inicia con La Momia, el nuevo vehículo de Tom Cruise que resulta en un híbrido extraño entre su marca habitual (stunts peligrosos, tono jocoso, damisela a su lado) y una sombría trama con tintes sobrenaturales reflejados en un exceso de maquillaje y efectos especiales que tienen la intención de asustar, pero que terminan por dar pena.

Es una lástima, porque la película inicia con fuerza, remontándonos a la leyenda de la princesa Ahmanet (Sofia Boutella) y el subsecuente hallazgo de su tumba en la época actual, seguido de una secuencia de avión de esas que a nuestro protagonista le quedan muy bien. Pero todo se vuelve plano y aburrido una vez que arriban a Londres y entra en juego el Dr. Henry Jekyll (Russell Crowe), quien tiene sus propios planes para lidiar con la maldad en el mundo.

La película contó con seis escritores, y se nota. Pareciera un experimento en el que quisieron incluir de todo sin que el director pudiera lograr algo coherente: por momentos recuerda –desfavorablemente- a la Muertos de miedo (1996) de Peter Jackson, en otros a La Momia (1999) con Brendan Fraser, y también a la saga de Misión Imposible del mismo Cruise. 

Si quieren que este universo perdure tendrán que replantear varios detalles para las futuras entregas. Muchos, diría yo.

Director: Alex Kurtzman.
Elenco: Tom Cruise, Sofia Boutella, Russell Crowe, Annabelle Wallis, Jake Johnson, Courtney B. Vance, Marwan Kenzari.

Esta reseña apareció originalmente en el suplemento Primera Fila No. 918 del periódico Mural (Grupo Reforma).



Síguenos en http://www.facebook.com/aquipepenando y en Twitter como @peperuiloba

jueves, 8 de junio de 2017

(FILM) MUJER MARAVILLA



"Wonder Woman"

Hay un momento en Wonder Woman en el que Diana se harta de que todos le digan que no a todo y decide liberarse para hacer lo que su corazón le dicta. Es un momento increíblemente cinemático en que no solamente la actriz israelí Gal Gadot se convierte en una superestrella instantánea, sino que representa un parteaguas en el que la Mujer Maravilla cimienta su lugar en la cultura popular como una heroína eterna, transgresora y necesaria. Una heroína de increíbles aptitudes físicas e intelectuales, pero que en un mundo lleno de odio y pesimismo no cesa de luchar por sus ideales con el amor como su principal motor. 

Esto no es cualquier cosa: presentar un personaje tan claramente carente de cinismo es un acto revolucionario hoy en día. Y la directora Patty Jenkins, el guionista Allan Heinberg, y la misma Gal Gadot, se mueven peligrosamente por esta línea pero al final logran hacer de Diana un personaje redondo y reconocible. 

La presión era inmensa. Si bien Halle Berry y Jennifer Garner lo intentaron con Gatúbela (2004) y Elektra (2005) respectivamente, los resultados fueron intrascendentes. Los universos de Marvel y DC volvieron a tomar auge en el celuloide y les tomó años poner a una mujer al frente de su propia película. Sin querer queriendo, como público estamos buscando alzarla como un estandarte del feminismo y poniéndole una etiqueta debatiblemente injusta, pero aún bajo este inmenso escrutinio la producción sale victoriosa y más aplaudible aún: lo hace ver fácil.

La película sabe cuál es su lugar en el universo cinematográfico (punto) y juega con varias de las expresiones de género malamente establecidas como normales, como cuando Diana escucha lo que hace una secretaria y lo equivale a ser una esclava, o el hecho de que la única persona que se desnuda esta vez sea un hombre. Son blancos predecibles, sí, pero bienvenidos.

Más allá de lo que Mujer Maravilla representa en un contexto ideológico, como película y como una entrega más en esta saturación de superhéroes que Hollywood nos endilga cada año, su trama es genérica, incluso casi idéntica a Capitán América: El primer vengador (2011) y con muchos elementos de Thor (2011). Sobre esta línea, sorprende que parezca más un producto de Marvel que de DC, y es bizarro pensar que esta heroína no cruzará caminos con aquellos personajes en algún momento.

La película sufre también de un tercer acto que se deja llevar por las patentes debilidades del género: una batalla final excesiva y villanos poco memorables. La más interesante por mucho es la doctora Maru (Elena Anaya), pero no se nos da la oportunidad de conocerla más allá de la superficie. 

Aun así, lo disfrutable es por mucho lo que se queda con nosotros al salir de la sala, desde la secuencia inicial en Themyscira, en que Antiope (Robin Wright, espectacular) entrena a su sobrina, hasta todo el ir y venir entre Diana y Steve Trevor (Chris Pine, todo carisma), el soldado americano que la pone en medio de la Primera Guerra Mundial. Inclusive las escenas de acción, que ya suelen ser repetitivas y poco sorpresivas, resultan emocionantes tanto por lo que representan como por su ejecución.

En un futuro no tan lejano seguramente (ojalá) veremos hacía atrás y, además de recordar la película con cariño, nos maravillaremos de cómo nos afectó el hecho de ver a una mujer liderando batallas, salvando al mundo, vistiendo como quiere, romanceando a su gusto. En estos momentos, sin embargo, se vale dejarse llevar por la novedad. Porque lo amerita. Porque se lo ganó. Porque ya era hora. 

Directora: Patty Jenkins.
Elenco: Gal Gadot, Chris Pine, Robin Wright, Connie Nielsen, Danny Huston, David Thewlis, Elena Anaya, Dais Taghmaoui, Ewen Bremmer, Lucy Davis.

Síguenos en http://www.facebook.com/aquipepenando y en Twitter como @peperuiloba

jueves, 25 de mayo de 2017

(FILM) ¡HUYE!



"Get Out"

Las mejores películas de terror toman aspectos relacionables de la vida real y los tuercen de manera que el espejismo toque fibras sensibles en el espectador y le provoque un sentimiento de ansiedad.

¡Huye! propone aquel aterrador escenario de conocer por primera vez a los suegros. En este caso se trata de Chris (Daniel Kaluuya), que viaja con su novia Rose (Allison Williams) para pasar el fin de semana con su familia. Él, afroamericano; ellos, blancos como la nieve.

El comediante Jordan Peele debuta detrás de la cámara y observa a sus sujetos por medio de una aguda crítica social cimentada en la tensión racial y la paranoia. Algo está mal en casa de la familia Armitage, pero Chris no puede poner el dedo en qué exactamente, y el resultado es igualmente hilarante que pavoroso.

Quizás las eventuales revelaciones no estén a la altura de la inteligente sátira que las precede, pero ¡Huye! es de esas películas en las que uno no tiene idea de hacia dónde van, y el recorrido te hace pensar, reír y temblar en igual medida.

Notable también el trabajo del actor inglés Daniel Kaluuya, cuyos expresivos ojos son nuestra entrada en este mundo… y causantes de varios escalofríos.

Director: Jordan Peele. 
Elenco: Daniel Kaluuya, Allison Williams, Catherine Keener, Bradley Whitford, Caleb Landry Jones, Marcus Henderson, Betty Gabriel, LilRel Howery.

Esta reseña apareció originalmente en el suplemento Primera Fila No. 916 del periódico Mural (Grupo Reforma).




jueves, 18 de mayo de 2017

(FILM) YO, DANIEL BLAKE



"I, Daniel Blake"

Daniel Blake (Dave Johns) sufre un infarto y su doctor le prohíbe trabajar. El Estado se rehúsa a pagar por esta incapacidad, atrapándolo en un espiral burocrático que parece no tener fin.

El director inglés Ken Loach ha hecho películas de relevancia social sobre los problemas de la clase media por décadas, pero esta vez pone el ojo directamente en el sistema de salud y pensiones de Inglaterra, con un énfasis en el aparente interés de ahorrar dinero por encima de ayudar a quienes más lo necesitan.

Es así como Daniel conoce a Katie (Hayley Squires), una madre soltera que es sancionada por haber llegado tarde a una cita. La película se sostiene en esta relación de mutuo apoyo y cariño, haciendo un retrato intimista de gente decente y trabajadora que sin embargo no puede contra un sistema roto.

El mensaje es claro y conciso de escena a escena, por lo que los giros que la historia toma hacia el final se sienten sobrados; habrá lágrimas, pero se extraña la delicadeza con la que se presenta el relato hasta ese punto. Dicho esto, la película se llevó la Palma de Oro en el pasado Festival de Cannes, y cuenta con dos extraordinarias actuaciones al centro en Squires y el comediante Johns.

Director: Ken Loach. 
Elenco: Dave Johns, Hayley Squires, Kate Rutter.

Esta reseña apareció originalmente en el suplemento Primera Fila No. 915 del periódico Mural (Grupo Reforma).



jueves, 11 de mayo de 2017

(FILM) LA VIDA DE CALABACÍN



"My Life as a Zucchini"

La vida de Calabacín es una película de animación stop motion para adolescentes y adultos que recién compitió por el Óscar como Mejor Película Animada, y que quedó también entre las nueve finalistas para Mejor Película Extranjera representando a Suiza.

Se trata de una joyita -de esas que llegan a cuentagotas- cuya aparente sencillez se traduce en un golpe directo al corazón. En ésta, Calabacín es enviado a un orfanatorio tras la muerte de su madre, donde conocemos a niños que se han visto forzados a crecer más rápido de lo que deberían, y que están tratando de entender el mundo de los adultos a su manera.

La belleza de la película no solamente radica en su bizarro y meticuloso diseño, sino en la forma en que evade caer en los lugares comúnes para contar un relato agridulce que sin embargo está lleno de esperanza.

Adaptada con afectiva sutileza por Céline Sciamma en base a la novela de Gilles Paris, la historia de Calabacín es una alegoría sobre cómo la verdadera familia se puede encontrar en los lugares menos pensados, forjando lazos que duran para siempre, incluso, sí… si tienes un cuello de jirafa.

Director: Claude Barras.
Voces de: Gaspard Schlatter, Sixtine Murat, Paulin Jaccoud.

miércoles, 10 de mayo de 2017

(FILM) CÓMO SER UN LATIN LOVER



"How to Be a Latin Lover"

Los últimos días he sido testigo de una gran cantidad de tirria dirigida a Eugenio Derbez, como si su nueva película fuera un ataque personal hacia nosotros o hasta al país. Es como si de repente el cine de este comediante mexicano tuviera que ser representativo de toda una cultura, de toda nuestra industria cinematográfica, un estandarte moral, y ni se diga el sacrilegio de jugar con ciertos estereotipos para hacer una comedia gringa dominguera de pastelazo, lo cual, por cierto, es a lo que le tira, ni más, ni menos. Divertir, hacer reír y sacarle una sonrisa al espectador. Eso.

Si la película cumple o no con su objetivo es otra historia, y en mi opinión es una comedia bastante dispareja, con varios gags que funcionan y muchos otros que no. Cine de arte no es, una sátira exquisita tampoco, pero ¿quién dijo que este tipo de películas no pueden coexistir con otras de ambiciones artísticas más elevadas? El público con el que la vi la devoró, riendo chiste tras chiste. “Por eso estamos como estamos”, llegué a leer por ahí. Y eso, la verdad, también me dio mucha risa…

Tampoco se trata de defender lo indefendible. Cuando uno entra a ver Cómo ser un Latin Lover sabe perfectamente a lo que se atiene. Sí… sí hay chistes sobre jalar un dedo para soltar una flatulencia, y sí… sí son vulgares, y sí… la verdad a mí sí me dieron risa, perdón. Pero por otro lado me pareció que hay muchos personajes secundarios que no funcionan, como los dueños del taller o la chava de los gatos, lo que hace que la película se vuelva larga y por momentos tediosa.

¿Que Derbez recicla chistes? Sí. ¿Que toma prestados elementos de su trabajo de los noventas? También. ¿Y? Es como el eterno debate sobre las comedias románticas, o las películas coming-of-age; todas son parecidas, pero unas funcionan y otras no, depende de cientos de factores. La serie de televisión The Big Bang Theory lleva reciclando los mismos chistes durante diez temporadas, y aun así cuando te topas con cualquier capítulo lo más seguro es que te siga dando risa.

Para mí la película se sostiene en las escenas familiares. Con todo y sus clichés, la química de Derbez con Salma Hayek y Raphael Alejandro –quienes interpretan a su hermana y sobrino respectivamente- es palpable. Hace mucho que no se veía a una Salma tan suelta y natural; ella tiene una facilidad nata para la comedia que pocos directores le han sabido explotar. Y a pesar de todos los chistes burdos, sexuales y escatológicos, aquí es donde la historia encuentra su corazón. Sobre esta línea me recordó a la Big Daddy (1999) de Adam Sandler, una de las pocas películas suyas que me gustan, y que es muy parecida en el tono que manejan; no por nada –para bien o para mal- se ha comparado mucho a ambos actores últimamente.

He escuchado también comentarios sobre cómo la película da una imagen negativa de los mexicanos y promueve que no trabajar y ser un “latin lover” es cool. Y perdón, pero eso también me da risa. ¿Como por qué se están tomando esta película tan en serio? Porque sus creadores definitivamente no. La película de hecho se burla de este estereotipo y el personaje principal aprende varias lecciones en el camino, además de que la historia aquí se podría contar con cualquier cultura e incluso hay otros dos personajes caucásicos (Rob Lowe y Michael Cera) que se dedican a lo mismo. Derbez y el director Ken Marino optan por no explotar en exceso el tema latino, pero sin perder de vista la evidente nacionalidad de sus personajes como una característica más de sus vidas, con dos mexicanos al centro buscando hacernos pasar un tiempo agradable, además de demostrar que los latinos también pueden encabezar películas y tener éxito en nuestro polémico país vecino. Bien por ellos pues.

Director: Ken Marino.
Elenco: Eugenio Derbez, Salma Hayek, Raphael Alejandro, Rob Lowe, Kristen Bell, Michael Cera, Rob Corddry, Mckenna Grace, Raquel Welch, Linda Lavin, Renée Taylor, Vadhir Derbez.